Manifiesto de 100 mil poetas por el Cambio, Leído en las Palmas

MANIFIESTO DE 100 MIL POETAS POR EL CAMBIO LEIDO EN LAS PALMAS


24 DE SEPTIEMBRE/ LA NEVERA

LAS PALMAS DE GRAN CANARIA

UN CORO GLOBAL POR LA VIDA

*Declaración del World Poetry Movement

Hoy nos reunimos para acrecentar una ola exultante de poesía, que se está moviendo por el mundo, de escenario en escenario donde concurren personas ligadas al mismo deseo, a la misma aspiración por asumir el reto de las grandes transformaciones del espíritu, construyendo un gesto, una actitud abierta a todos los cambios y rupturas necesarias para fundar un mundo acorde a la vida y no sujeto a los designios de la devastación.

Hoy celebramos que somos tránsito gozoso hacia un nuevo momento, hacia una nueva atmósfera que propicie una luz congregante y la paz sin tratados ni demagogias.

Hoy no nos encontramos para reprocharle al ser humano sus excesos rumbo a la catástrofe sino para aumentar la energía radiante de la poesía, que avanza como una red luminosa hacia nuevas dimensiones de la conciencia, para asumir con grandeza el horizonte del tiempo presente.

Hoy nos reúne un ímpetu renovado, con el ánimo de incidir en las urgentes transformaciones, ante los retos de este momento en que peligra la vida de muchas especies, entre ellas la humana.

Hoy esta convocatoria es posible gracias a la fuerza concurrente de la poesía y es el poema el instrumento mágico de expansión de la energía dislocante necesaria para abrir nuestra mente, nuestro corazón y nuestro espíritu y así saltar hacia esa dimensión donde podamos llevar nuestros sueños, símbolos y deseos al plano de las realizaciones.

Sabemos que un poema no detendrá tsunamis, ni guerras.

Pero un poema es un escudo ante el lenguaje de la devastación, la guerra y la sobre explotación.

Un poema no curará a 1.020 millones de personas que padecen hambre crónica en el mundo; un poema no detendrá la muerte por inanición de 750.000 habitantes de Somalia.

Pero un poema es expresado para reafirmación en la vida, en el canto activado con la energía radiante de la poesía, que es celebración de la luz.

Un poema no resolverá los problemas básicos de la humanidad vulnerada.

Pero un poema es sueño cantado, visión, oxígeno del espíritu

Un poema no conjurará a los monstruos climáticos.

Pero un poema es una puerta que se abre cuando todo parece sin salida.

Un poema prepara la mente para lo que será y de lo que aún no se sabe.

Un poema no es mercenario de ninguna desgracia.

Un poema es el lugar de las conjunciones mágicas y simbólicas

que nos reafirman como especie, escindida entre el animal y el humano.

Un poema es soñar un mundo nuevo, y en esto le da validez y sentido a la realidad en que vivimos.Un poema fluye creando un futuro mental desde el cual crecerá la civilización del mañana.Por esto una sociedad que falla en el campo del arte y la literatura es una sociedad que se ha fosilizado mentalmente y menoscabado su capacidad de auto-renovación y rejuvenecimiento.

Los poemas nos recuerdan que la hambruna, la guerra, la superpoblación y la polución no son efectos de nuestra falta de tecnología o recursos, sino de nuestra carencia de ética y amor.

Y los poemas son llaves que pueden abrir para nosotros la casa del tesoro de nuestras riquezas comunes –el amor humano, la sabiduría, la creatividad y la belleza: tesoros que se hacen más abundantes cuando son compartidos.

Invocamos los poderes de la poesía para no caer en el juego macabro de la barbarie. Un poema es un motor deseante de cambio, en busca de un oxígeno nuevo, bajo el cielo de plomo y azufre.

Un poema es la causa de las grandes convergencias espirituales. Un poema nos hace comprender que la poesía es la ecología de los ecosistemas simbólicos. La poesía es la biología del espíritu, el motor de los soñadores, de quienes aspiran a dar el salto hacia una nueva dimensión del ser en la quesea posible existir sin el lastre de las iniquidades que hemos heredado y que ya es tiempo de que cesen.

Poemas para alimentar el sueño por una humanidad auténtica, por fin liberada de los grandes errores.

Por la dignidad que nos da la poesía, hoy nos unimos a un coro mundial por la vida, por el cambio verdadero, ahora que nos movemos por un borde peligroso de nuestra historia humana.

Gran pintor ruso Alexander Vereinov

Alexander Vereinov y su madre

Artista ruso Alexander Vereinov

Moscú, Rusia

Nunca subestimes el poder, brillantez, y la amabilidad de Alejandro Vereinov. La parálisis Cerebral "sólo" puede hacernos parecer que no somos capaces. A pesar de las limitaciones del propio cuerpo, hay personas como Alexander que nacen con múltiples dones y talentos que cualquier persona se sentiría orgulloso de tener. Alexander Vereinov nació el 25 de junio de 1956, hijo del famoso constructor ruso Lev Vereinov cuyos edificios tan emblemáticos como la Universidad Estatal de Moscú puede ser visto por todo Moscú y su madre Alexandra Vereinova, una madre dedicada, trabajadora y profesor de la escuela y activista Derechos de los Discapacitados .

Alexander empezó a pintar y dibujar en secreto por la noche mientras vivía en un hospital especial para niños parálisis cerebral. Porque su boca y los dientes eran la única parte de su cuerpo que tenía el mayor control de la misma se convirtió en natural para aprender a pintar de esa manera. Debido a que la gente tenía miedo que pudiera lesionarse por accidente se desanime este método, pero finalmente, cuando todo el mundo vio cómo se determina Alexander y que él no se lesiona comenzaron a ayudar.

La madre de Alexander tenía dos trabajos para ayudar a poner a su hijo a estudiar en la Escuela de Arte y en la Universidad. El padre de Alejandro ya no estaba con la familia por la época de Alejandro tenía 16 años de edad. Además de esto Alexander Vereinova fue a cientos de reuniones para buscar ayuda para su hijo y para los discapacitados en la comunidad. A veces, las organizaciones de caridad que "pretendemos ayudar", nos roban los fondos destinados a Alexander.

Después de muchos años de duro trabajo Alexander comenzó a crear algunos de los retratos más impresionantes que jamás haya sido creado por un artista la boca y los dientes. Estas pinturas capturó la atención de todo el mundo. Los medios de comunicación. Al lado de los viejos maestros se puede decir no hay diferencia. Alexander ha ganado la aclamación de todo el mundo, premios, reconocimientos primer lugar, e incluso la atención de la princesa Diana a quien Alexader a esbozado.

Alexander tiene una memoria casi fotográfica y ha leído y estudiado miles de libros sobre la historia rusa y estadounidense, conoce a todos los presidentes de Estados Unidos, la literatura y del arte. Todas estas cosas que recuerda y conserva al igual que cualquier profesor dotado de Académicos.

Parte de los Objetivos de Alexander no son para vender su arte individual original, pero sí para recaudar fondos para costo de reproducción para la venta y poder finalizar su carrera, y los ingresos se mantendrán estables y para iniciar su Fondo de Ayuda Humanitaria, junto con Maxim Goubanov para ayudar a los ciudadanos rusos de movilidad reducida. vea sus obras

La Sonata para piano n.º 14 en do sostenido menor, Claro de luna (Beethoven)

Piotr Ilich Chaikovski

Piotr Ilich Chaikovski (en ruso: Пётр Ильич Чайковский, 25 de abril jul./ 7 de mayo de 1840greg. – 25 de octubrejul./ 6 de noviembre de 1893greg.), fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como por ejemplo los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta (Patética) y la ópera Eugenio Oneguin.

Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar de la precocidad musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió alConservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865. La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera.

Mientras se desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresión. Como factores que contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de 13 años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del Zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.

A pesar de ser popular en las audiencias de todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor de importancia es hoy en día segura, y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento

Historia de la Pintura Chilena

Pintor Jorge Caballero Cristi

Historia de la Pintura Chilena

Los artistas dedicados a la pintura chilena han sido fructíferos. Los más conocidos se formaron junto a grandes maestros europeos en sus respectivos países o en Chile, donde estos últimos se avecindaron. 

La política estatal, referente a la cultura del país, se vió impulsada de forma manifiesta en la década de 1830. Sin embargo, la pintura chilena inició su desarrollo varios años más tarde.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX y gracias a la visita de pintores extranjeros destacados, este arte comenzó a ser considerado importante para el acervo cultural chileno. Varios son los maestros que en esa época crearon sus obras en el país, y también, se integraron como académicos en los diferentes centros de enseñanza de bellas artes.

Entre otros artistas destacados se menciona al alemán Johann Moritz Rugendas, que ejerció alrededor de 10 años en Chile y al francés Raymond Monvoisin.

Posteriormente el gobierno inició su aporte en 1849, logrando la presencia en Chile del profesor italiano Alejandro Ciccarelli Manzoni, director de la Academia de Bellas Artes durante dos décadas. Importantes son el inglés Thomas Somerscales, que pintó escenas de la Guerra del Pacífico y un gran número de cuadros con paisajes chilenos y, el artista norteamericano James Whistler. A fines de siglo emergen los primeros pintores chilenos, entre los que destacan Ramón Subercaseaux y Onofre Jarpa. 

La pintura chilena se consolida finalmente durante el siglo XX con la aparición de un vasto número de artistas que se manifiestan a través de diversos estilos. Su calidad y expresión les permite trascender las fronteras y ser conocidos en el extranjero. A continuación una muestra de obras representativas de la pintura chilena

Los albores de la humanidad y el invento del Arpa

El origen del Arpa

ARPA EN KEROS

En los albores de la humanidad, el hombre buscaba resguardo de las inclemencias del tiempo en las cavernas. Es indudable que en los largos días invernales de aquella épo ca remota, durante los cuales era imposible salir a cazar debido a las bajas temperaturas, el hombre prehistórico, en algún momento debe haber concebido, allá en el fondo de su rudimentario cerebro, la idea de entrete ner su ocio copiando sobre las paredes de su refugio escenas familiares a sus ojos: escenas de cacería y de pesca, en primer lugar ya que por medio de éstas se procuraba el sustento. El cavernario pintaba en las paredes y en el techo de su cueva, figuras de animales con el objeto de atrapar su espíritu y de esta ma nera en su momento facilitar la cacería, pero también de ahuyentarlos si le resultaban per judiciales.

De lo anterior se generan varios aspec tos: Se Inicia el arte en su forma primaria, luego aparece la magia que durante milenios tomó el lugar que después ocuparía la religión y en última instancia recrea la historia con la escritura,  y recrea la música. Es muy probable que la música empezara al escuchar a la naturaleza (al entorno natural) y originar el ser humano sus propios sonidos. También al salir la cacería, la flecha al surcar el aire, hizo vibrar la cuerda del arco que la disparara. Esto atrajo la atención del cazador, que, maravillado por el descubrimiento, deliberadamente se puso a jalar la cuerda con el objeto de producir un sonido parecido, siendo bien pronto imitado por sus compañeros de cacería. 

En la cueva de Trois Frerés, en l´Ariége, Francia, pertenece al período paleolítico superior, en la cual aparece el arco (invento revolucionario de aquellos tiempos), ya no como un arma ofensi va–defensiva, sino como el bosquejo de un ins trumento musical, al cual, después de un tiempo determinado se le añadirían más cuerdas, probablemente hechas de lianas. Indudablemente que esto ocurrió antes de finalizar la edad de Piedra, pues se sabe que ya para terminar la citada edad, existió en Mesopotamia una especie de arpa de 5 y 7 cuerdas. La mencionada cueva es un intrincado conjunto de galerías dispuestas en forma de estre lla de mar, contiene frescos en sus paredes que exponen una abundante fauna compuesta por rinocerontes, bisontes, uros, caballos, renos, cabras, osos, leones, lobos y una lechuza blanca.

Una pintura rupestre muy significativa para ilustrar todo lo expresado anteriormente es conocida como “El pequeño brujo”, en donde se ve a un hombre dispuesto con un arco de boca no como una arma, sino como un instrumento con el objeto de domesticarlos. Lo más admirable como puede verse en el grabado, es que las figuras están en movimiento: uno de los renos aparece obediente al mandato del hombre disfrazado de bisonte que marcha tras unos renos, haciendo sonar un arco que en este caso le sirve to musical para embrujarlos, seguramente con pastor–brujo o shamán, mientras que el otro intenta rebelarse.

Otras pinturas rupestres en otros puntos del planeta, importantes desde el pun to de vista de aparición de la música y del arpa, como las de Tassili en África, cuya pintura rupestre es una de las 15,000 de las mesetas centrales del desierto del Sahara, en la cual se representa una escena musical de “conjunto”, apareciendo en ella una pareja de músicos emplumados: uno tañe el arpa de seis cuerdas, mientras que el otro parece disponerse a tocar una flauta. Se sabe de cierto que en época muy remota el Sahara fue una fértil llanura que propició el asentamiento de emigrantes que dejaron testimonio de su forma de vida en dichas pinturas, que los eruditos en la materia dividen en cuatro períodos, de acuerdo con las figuras que predominan en las mismas: el Cazador (6,000 a 4,000 años AC), el Pastor (4000 a 1,500 años AC), el Caballo 1,500 a 600 años AC) y el Camello (a partir del 600 a. De C). Se supone que la época del cazador es de media dos de la Edad de Piedra, mientras que la del Pastor es de finales de la misma. Respecto a la"pintura del arpista y del flautista"se la puede situar dentro de la época del Pastor, pues en las pinturas que corresponden a este período se reproducen escenas en las cuales aparecen tanto hombres como mujeres, participando en danzas que in dudablemente tenían un significado ritual o religioso. .

En África Negra tienen manifestaciones musicales e instrumentos de la familia de las arpas, en su mayoría arqueadas, en países ta les como Sudán, Senegal, Guinea, Costa de Marfil, Caremún, Uganda, Nigeria, Egipto y Etiopía.

Pintura Egipcia

 Entre los africanos la música tiene un poder mágico; por esta razón, algunas tribus los curanderos y hechiceros ahuyen tan los malos espíritus por medio de sonidos producidos por la arpas Uombi y tambores, que colocan encima del abdomen del enfermo, de donde se ve que a estos instrumentos se les da un valor terapéutico además de ritual. Entre las tradiciones de los Dogon del Sudán, los instrumentos de los tambores y el arpa–laúd están íntimamente relaciona dos con el origen del mundo y del hombre. Este instrumento es híbrido ya que reúne ca racterísticas de arpa y de laúd. El pueblo de Malinké en Guinea toca una especie de arpa laúd de 21 cuerdas que recibe el nombre de “kora”. Se sabe que en toda África el arpa es tocada por los hombres y el laúd por las mu jeres. Se sabe también que en África existió otro arco musical que aparentemente es un arco para la cacería, pero que al tocarse lo más cerca posible de la boca abierta, que en este caso la hace de resonador, permite al eje cutante, que mueve los labios como si tratara de formar palabras, seleccionar los diferentes armónicos de un mismo sonido. A este ins trumento tan primitivo se le conoce con el nombre de “arco de boca” y es obvio que fue el primer arco musical que apareció en la tie rra, si recordamos la pintura rupestre de “El pequeño brujo”, que avala su existencia en la época prehistórica. En Etiopía, que algunos la sitúan en los pueblos del África Blanca, debido a sus ele mentos étnicos, su religión cristiana y su más avanzada civilización, ya posee un instrumento llamado “bagana”, que los abisinios aseguran que es una copia fiel del arpa de David. La bagana, instrumento para ser tocado únicamente por los más altos dignatarios del País, mide tres cuartos de metro de altura y tiene 35 centímetros de ancho y de 6 a 11 cuerdas que a veces se tocan con los dedos y otras con un plectro hecho con la piel o la garra de un animal salvaje como león, tigre o pantera. Algunos autores consideran que este instrumento es una lira, pero Tournier asegura que es un arpa. 

En algunos lugares de África occidental como Sierra Leona, Liberia y Tanzania se toca una especie de arpa llamada “pluriarco” que podría considerarse como un instrumento intermedio, entre el arco musical y el arpa.

MAGIA CON ARPA Y FLAUTA

Para Elisa WoO 59 (Für Elise, en alemán)

Para Elisa WoO 59 (Für Elise, en alemán) es una bagatela para piano solo, compuesta en la menor por el compositor alemán Ludwig van Beethoven. Es una de las obras más conocidas del compositor. La pieza fue publicada por primera vez en 1867 en una transcripción de Ludwig Nohl, supuestamente basada en un manuscrito autógrafo de cuya existencia no existe prueba alguna.

Miss Angola, Leila Lopes, la gran sorpresa de Miss Universo 2011

Miss Angola, Leila Lopes, la gran sorpresa de Miss Universo 2011

Atrás quedaron favoritas como Vanessa Goncalves y Catalina Robayo. Este año, el jurado se inclinó por la belleza y la calidez de una reina africana.

El reinado de Ximena Navarrete terminó y dio paso a la era de Leila Lopes 

AFP

La angoleña Leila Lopes, de 25 años, venció el concurso de belleza Miss Universo 2011, descartando todos los pronósticos que preveían que una latinoamericana se llevaría la corona nuevamente, en la ceremonia que se realizó por primera vez en Brasil y celebró su 60° aniversario.

De esta manera, Angola conquistó la corona por encima de las bellas finalistas de Ucrania, Brasil, Filipinas y China, y recibió el cetro de las manos de la mexicana Ximena Navarrete, ganadora del certamen en 2010. "Ahora voy a tener que trabajar y voy a tratar de mantener los pies en la tierra", declaró entre sollozos Lopes a la prensa local, visiblemente emocionada, luego de ser ovacionada de pie por el público del teatro Credicard Hall de Sao Paulo.

La competencia, que llegó por novena vez a América Latina y por primera vez a Brasil, fue vista por unos 1.000 millones de espectadores en 190 países y presentó un total de 98 participantes. La victoria en el concurso garantiza a la nueva reina un año de presencias en eventos y viajes por el mundo, llevando el mensaje de ayuda de la organización a quienes padecen VIH/SIDA y otras enfermedades graves.

Tras ganar siete títulos de Miss Universo en 10 años, las latinoamericanas eran este año las grandes favoritas, especialmente por contar con la esbelta venezolana Vanessa Goncalves, que proviene de un país que se dedica con ahínco a producir jóvenes para los eventos de belleza. Pero las apuestas iniciales parecieron no tener mucha fuerza, y Miss Venezuela junto con Miss Kosovo, otra gran favorita, quedaron eliminadas tras el desfile de bikinis y no llegaron a integrar el grupo de las diez finalistas.

Otra de las sorpresas fue lo lejos que llegó la brasileña Priscila Machado que resultó tercera colocada, superando a las esbeltas representantes de China y Filipinas, y quedando por detrás de la ucraniana, Olesia Stefanko, segunda colocada del evento. Lopes presentó un cuerpo estilizado en un vestido de gala de color claro que contrastaba con su piel morena, con muchos detalles en brillos y plumas, coronado por un cabello recogido que sorprendió a la prensa especializada ya que fue una de las pocas participantes que no sacó a relucir una voluminosa melena.

La definición de la 60ª edición del reconocido concurso estuvo a cargo de un jurado compuesto por siete especialistas y celebridades, que incluyó a figuras de la televisión estadounidense, así como a la supermodelo brasileña Isabeli Fontana y al piloto de la IndyCar Helio Castroneves. La competición, organizada por el magnate estadounidense Donald Trump, requiere que las postulantes tengan entre 18 y 27 años, y no permite que sean casadas, hayan tenido hijos ni hayan posado desnudas.

El mayor competidor del certamen Miss Universo es el concurso de Miss Mundo, que el año pasado fue celebrado en Sanya (China) y tuvo como vencedora a la estadounidense Alexandria Mills.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606-1669.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606-1669.

Nació en Leiden, Holanda. Pintor barroco de retratos y dibujante superdotado. En un principio siguió a el Caravaggio que era gran maestro de la técnica del claroscuro, a Rubens por su brillosidad y colorido vigoroso y a Tiziano por la forma libre de utilizar el pincel.

Ya a los 25, Rembrandt aplica en sus obras un estilo personal revolucionario que se aleja de la forma suave de pintar de los maestros holandeses contemporáneos y se sumerge en la técnica de los maestros italianos. Su pincelada gruesa, a veces sobrecargada de pintura, agrega a sus obras una textura inédita hasta ese momento. 

En vez de reflejar con exactitud las escenas, Rembrandt se inclina por retratar sugestivamente lo que ven sus ojos. Por otra parte, sin haber conocido Italia, aplica el estilo de pintar de los venecianos, que muestra un entorno obscuro para terminar con máximo fulgor en la imagen.

En esa época los colores apropiados para una pintura eran limitados por los estándares académicos, sin embargo Rembrandt innovó con nuevos extremos de colorido y a la vez logró un equlibrio exhuberante entre esos extremos.

Su técnica de aplicación de capas, desde el fondo hacia adelante, con una transición imperceptible de colores y tonos (esfumado), lo situan entre los capaces de dar transparencia con la calidad que lo hacen Leonardo y Miguel Angel.




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Dos artistas son mejor que uno <<<>>> Igor Kozlovsky y Marina Sharapova

Dos artistas son mejor que uno 

Somos artistas, que es una cosa excelente. Estamos casados, también una cosa excelente. Nosotros trabajamos juntos, no necesariamente una cosa excelente. ¿Qué queremos decir con esto? Evidentemente, no es que no encontramos la inspiración en el trabajo de otros o las ideas. Sin embargo, a nivel práctico, es difícil evitar algunos problemas. Primero que  todo, a pesar de que hemos estado juntos durante veinte años, cuando trabajamos en una foto juntos, pasamos la mayor parte de nuestro tiempo discutiendo. Tal vez esto no es del todo sorprendente. Van Gogh y Gauguin trató de trabajar juntos en Arles. Se quedaron de lado a lado, produciendo un trabajo maravilloso, y, finalmente, llegó a odiar a los demás. Nuestra tarea puede ser incluso más difícil. No estaban casados, después de todo, y no queremos que al final terminemos odiando a los demás. Sin embargo, como decimos nosotros, trabajando juntos por lo general se produce  más conflicto que paz. 

¿Por qué? En primer lugar, es porque hemos llegado a un lienzo de diferentes direcciones. Especialidad de Igor es un sutil sentido del color, una apreciación maravilloso para la naturaleza táctil de la pintura, lienzo y madera, y un sentido intuitivo de cómo jugar con imágenes abstractas. Marina, por el contrario, posee un excelente toque y sutil para el dibujo realista y es capaz de crear imágenes nuevas sobre la base de las obras de artistas mayores, sobre todo los del Renacimiento italiano y holandés. Hemos estado trabajando en nuestro actual nivel de cooperación desde hace muchos años, en primer lugar el empleo de las técnicas de arte realista, entonces comienzan a interesarse en los logros de la abstracción, y luego los de la vanguardia rusa. 

Hemos sido capaces de hacer esto porque en el sistema ruso académico en el que fuimos educados, los artistas son rigurosamente les enseñan las habilidades de los viejos maestros. Sin embargo, se nos enseña a usar esas habilidades para crear pinturas con una profunda humanidad de ellos, se nos dice que se esfuerzan por la belleza, pero la belleza con la profundidad con el fin de crear trabajos que se quede con usted durante mucho tiempo. 

Por lo tanto, hemos estudiado las técnicas y concepciones del arte religioso ruso, inspirado en la obra de Andrei Rublev y Dionisio junto con las del renacimiento de Europa Occidental. Estábamos conscientes de las grandes contribuciones de artistas de Europa del Este a las artes visuales modernas, incluyendo a figuras tan profundamente espiritual, como Chagall, Kandinsky, Malevich y al lado de nuestra educación en las técnicas de Picasso y Matisse. Por otra parte, en nuestro trabajo hemos tratado de sintetizar estas tradiciones. 

En esta síntesis de la occidental post - renacentista del arte con la tradición rusa, la tradición religiosa en particular, que, creemos, teniendo en cuenta nuestro trabajo un perfil nuevo e inusual.Tratamos de combinar lo que parece ser los incombinables - los colores vivos de la práctica artística contemporánea con los logros del Renacimiento, a la que añadimos algunas notas surrealistas para dar un nuevo significado a las imágenes familiares, colocándolos en los marcos inesperadas, obligando a los espectador a entrar en nuestro mundo inventado y experimentar un nuevo mundo de su propio mundo. 

Tal vez podría haber sido posible que uno u otro de nosotros que pasar por este camino creativo todo por nosotros mismos. Tal vez podría haber sido posible que uno u otro de nosotros para crear pinturas sintéticas de este tipo solo. Sin embargo, por el momento, tenemos que hacer uso de los talentos independientes e intereses diferentes, pero relacionados entre sí. Y cada vez que vemos el resultado de nuestro trabajo colectivo, decidimos que todo el proceso, con todos sus dolores y molestias vale la pena.
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 Igor Kozlovsky y Marina Sharapova

Los Caminantes del Proyecto >>><<<< Igor Kozlovsky y Marina Sharapova

Los Caminantes del Proyecto

El deseo de capturar el movimiento ha sido un impulso decisivo para la evolución en el arte visual desde los primeros tiempos. Los pintores rupestres como  Lascaux que se esforzó, por razones que sólo se puede adivinar, para describir el curso de la caza. Para proyectar su poder, los gobernantes egipcios y asirios pidieron a sus artistas  crear técnicas para representar las batallas, las procesiones y otras ceremonias que se desarrollan en el tiempo. Antiguos artistas griegos, en los medios tan variados como los frisos del templo y las urnas lo mundano, se enfrentó al mismo problema de cómo permitir que el espectador experimentar el flujo de movimiento y el tiempo en un medio esencialmente estático. Keats famoso tomó nota de la paradójica combinación de estancamiento y el movimiento en su ecfrástico "Oda a una urna griega:" "Fair Youth, bajo los árboles, no puedes dejar  tu canción, ni nunca puede ser de esos árboles desnudos,  amante Bold, nunca , no puedes besarle,  A pesar de llegar cerca de la meta, sin embargo, no te aflijas;. ella no puede desaparecer, aunque tú no tengas su felicidad ", continuaron artistas medievales  experimentando con la presentación del movimiento, un movimiento específicamente procesional y ceremonial, como atestiguado en los mosaicos de Rávena, y en los iconos que representan escenas de la vida de un santo que rodean su imagen. En el siglo 20, los futuristas, obsesionados con la velocidad de la vida moderna, inventaron nuevas formas de impartir como sensación de movimiento a dos y tres dimensiones, objetos estáticos.

La llegada de la película podría haber sido supuestamente poner fin a la necesidad de emplear imágenes estáticas para crear la ilusión de movimiento. Después de todo, ¿por qué una lucha para obligar a una forma de arte para hacer lo que algo de lo que no es manifiestamente plena capacidad? Y sin embargo, la imagen de imagen en movimiento no resuelve el problema planteado hace mucho tiempo por los antiguos artistas. Para la gran mayoría del movimiento de proyecto de la película las imágenes en su "velocidad normal", y no para reproducir la mezcla paradójica de movimiento y estasis proporcionada por pintar "narrativa" las imágenes. Pasan demasiado rápido, así como los paisajes hacen para el viajero de automóviles, que no es capaz de apreciar las vistas de la misma manera que sus antepasados ​​a caballo o a pie podían.

Nuestro proyecto, "Caminantes", tiene la intención de abrir un nuevo capítulo en la larga historia de las imágenes pictóricas de movimiento. Nos proponemos construir una serie de obras que hemos ido creando durante los últimos cuatro años, obras que en su técnica pictórica sintetizar muchas épocas pasadas de los logros artísticos de una manera nueva y convincente. En particular, la exploración de la relación paradójica del movimiento y estasis es paralela a una consideración simultánea de la relación entre el arte abstracto y lo figurativo, y entre el convencionalismo y la verosimilitud. 

Ya que es bastante inusual para los artistas a colaborar en sus lienzos, nos gustaría decir unas pocas palabras para explicar por qué y cómo lo hacemos. En San Petersburgo, hemos trabajado en los campos del diseño independiente. Sin embargo, en este país hemos decidido que debido a que contamos con especialidades complementarias y los intereses, sería artísticamente fructífera para combinar fuerzas. Igor es generalmente más interesados ​​en color, en material, y en la abstracción. Marina, por el contrario, tiene un excelente toque de dibujo realista y es capaz de crear imágenes nuevas sobre la base de las obras de artistas mayores, sobre todo los del Renacimiento italiano y holandés. Por supuesto, nos ha llevado mucho tiempo llegar a nuestro actual nivel de cooperación y trabajar juntos no es siempre fácil. Sin embargo, esta combinación nos ha permitido desarrollar el trabajo que usted ve en nuestra cartera, y que constituye la base de nuestro proyecto artístico propuesto. 

Como se puede ver en este sitio,  gran parte de nuestro último trabajo juega con el contraste entre los patrones complejos de abstracción en el fondo y la figuración meticulosamente trabajados en el primer plano. Movimiento, en la medida en que está presente en estos lienzos, está implícito en el remolino de los motivos de fondo, mientras que las cifras se presentan con la monumentalidad estática de retratos del Renacimiento (véase, por ejemplo, "La sombra del Fresco", o "dos cabezas piensan mejor que una ", … 2005). Estos lienzos y como ellos la demanda de una técnica compleja y un sentido de composición ágil.

Por lo general, evitar la perspectiva de género en nuestras pinturas porque es importante para nosotros mantener nuestro trabajo en el marco de una imagen icónica. Nuestras cifras, en la mayoría de nuestros cuadros recientes, tienden a ser bastante estática y limitada de sus gestos, pero estas limitaciones nos han ayudado a crear obras que hacen una impresión más espectacular. Nos gusta empujar a la gente a usar su imaginación y una herramienta que utilizamos para lograrlo es la creación de un fondo oscuro que cada persona puede llenar con sus propias visiones. Otra técnica para producir un resultado similar es dejar parte de la pintura inacabada, de modo que el ojo del espectador se hace parte del trabajo del artista, finalizando la imagen sin terminar. Una tercera herramienta es añadir algo de enigma para la obra de arte: nos gusta cubrir los ojos de los retratos con turbantes y sombreros extraños, o yuxtapuestos cosas aparentemente incombinables para crear complejas metáforas visuales. No necesariamente tienen una historia para cada cuadro, pero es importante para nosotros para crear el sentido de una historia detrás de cada uno de ellos.

"En caminantes", por ejemplo, representa a dos figuras esquemáticas de volumen, pero se mueve de izquierda a derecha en un contexto sugerente de los jeroglíficos. Las horizontales fuertes de los antecedentes crear la ilusión de una serie de caminos paralelos en contra de que (o por la que) las cifras están en movimiento. La relación de las figuras es intencionalmente ambigua. "Caminantes IV" se desarrolla en un contexto similar, pero las cifras ahora imitan unos a otros y la sensación de dinamismo se ve reforzado por el hecho de que ambos están claramente en marcha. Aunque no hay una historia detrás de la imagen, no es difícil imaginar como una representación de Orfeo y Eurídice.

En nuestro experimento más reciente, "Caminantes VI" hemos comenzado a acercarnos a la técnica que proponemos emplear para el proyecto a gran escala. Hemos rebajado las horizontales (aunque siguen estando claramente presentes) y a través de los remolinos en el fondo, hemos introducido un sentido de ciclo en lugar de un movimiento lineal. Las cifras se presentan en forma de friso, pero la figura central ha sido dotada con una cara y las manos que son más realistas que las cabezas esquemáticas y las manos de las figuras en el frente y detrás de él (o ella, las cifras son a propósito andrógino) . Un sentido más amplio de dinamismo ha sido introducido por el hecho de que la cifra delantero tiene, al parecer, dio parte de la salida de la imagen. 

Hemos decidido crear una serie de lienzos entre sí empleando las técnicas básicas que son el refinado aquí. Todavía estamos desarrollando este enfoque tanto, sin duda, va a cambiar en el transcurso de nuestro trabajo, pero anticipamos que la creación de algunos lienzos,  que "caminar" en torno a una gran sala. El espectador en el centro se invita a seguir (o incluso unirse a) la procesión, que se complica por la relación de las figuras, que no sólo se siguen unas a otras, sino también "interactuar" con esas cifras frente a ellos en el otro lado de la habitación. También imagino que vamos a crear filas de miniatura "Caminantes", que sería el proceso por encima y por debajo de la banda central de datos, en una técnica análoga a la del iconostasio en una iglesia ortodoxa. 

Junto con la exposición, esperamos, sería ejecuciones de obras musicales que capturan una sensación similar de movimiento y el desarrollo en el tiempo que tenemos en pedazos la mente evidentes, como el Bolero de Ravel, el arte de Bach de la fuga, pero también muchos ejemplos de la música folclórica que van de África a Europa del Este. El catálogo de nuestra exposición se produce en la forma de un pliegue de "acordeón" o un rollo de pergamino chino para que los espectadores podrían volver a experimentar el trabajo fuera de su espacio de exposición.

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Igor Kozlovsky y Marina Sharapova

Pequeñas lecciones de erotismo<<<>>>Por Gioconda Belli

Chefs en las cimas

Chefs en las cimas

Hoy quiero degustar tu inmensidad de cielos
y por eso te busco en la cocina, sigiloso,
y te veo entre pailas, contenta, guisando los misterios.

Me acerco muy despacio, me notas y sonríes,
acaricio tu espalda, te acercas y me mimas,
te celebro y te beso, me besas me celebras.

Meto mi mano entre tus astros
y huracanes urgentes alzan vuelos,
me besas te celebro, me celebras te beso.

Se logran alcanzar los aullidos, ahí sobre la mesa,
y los poros abiertos claman por estremecimientos,
jugamos y jugamos sin más limites , tabúes,
atrás inhibiciones, continentes unidos en retozos.

Surgen temblores en tus piernas y tu alma excitada
se encrespa y se diluye en fuentes claras.

Surgen los gozos plenos de los hondos abismos
y yo, muy dedicado, un minero celeste,
dinamito mis ansias y exploto.

Los Arcoíris absorben las mareas,
se alcanza el nuevo pacto,
sendas nuevas.

Byron

Sinfonía n.º 5 (Beethoven)

La Sinfonía n.º 5 en do menor, Opus 67, de Ludwig van Beethoven fue compuesta entre 1804 y 1808. Esta sinfonía es una de las composiciones más populares y conocidas de la música clásica y una de las sinfonías más interpretadas. Consta de cuatro movimientos: empieza con un allegro de sonata, continúa con un andante y finaliza con un scherzo ininterrumpido, que comprende las dos últimas partes. Desde su estreno en el Theater an der Wien de Viena el 22 de diciembre de 1808, dirigida por el compositor, la obra adquirió un notorio prestigio, que aún continúa en la actualidad. E. T. A. Hoffmann describió la sinfonía como «una de las obras más importantes de todos los tiempos».

Comienza con el distintivo motivo de cuatro notas 'corto-corto-corto-largo' (ta-ta-ta-taa), repetido dos veces: 

La sinfonía, y este motivo en particular, son conocidísimos mundialmente, apareciendo frecuentemente en la cultura popular, con nuevas interpretaciones en otros géneros, tales como la música disco y el rock and roll, y también con apariciones en películas y la televisión.

después que si desean ver las pinturas que,....

por esa época la pintura inglesa estaba al ritmo musical

..o si mejor escuchamos la quinta sinfonía de Beethoven completa que es nuestro tema de hoy;

El cumpleaños de Freddie Mercury, ¡¡¡Queen - Queen - Queen!!!

Por Víctor Franco

Mercury, debería cumplir 65 años, pero no. El 24 de noviembre de 1991, su voz se apagó debido al Sida. Sin embargo, a 20 años de su partida terrenal, su voz, carisma y talento siguen maravillando a todos los que gustan de la buena música.

Mucho se sabe de la vida de Freddie, pero poco de Farookh, quien desde pequeño fue enviado a vivir con sus tíos a la India donde ingresó al ST. Peter's School, donde se destacó en los deportes y practicó boxeo. Sin embargo su enforno familiar no vio con buenos ojos esa disciplina por considerarla un tanto violenta.

El pequeño Bulsara, a sus 10 años se encaminó hacía el tenis de mesa, donde fue campeón escolar, pero no pasó mucho para después de colgar los guantes de box y las paletas de ping pong, el niño se inclinara por la música y como todo escolar integró el coro del colegio y tomó clases de piano.

Los primeros que fueron testigos de las dotes de Farookh, en un escenario, fueron los estudiantes de su colegio, ya que formó y lideró un grupo llamado The Hectics, que tocaba rock and roll, con influencia de música india y animaba las fiestas estudiantiles.

Comenzaba a nacer Freddie, ya que sus compañeros de colegio lo llamaban así debido a que era más o menos la traducción al inglés de su nombre Farrokh. Incluso Mercury comenzó a firmar con el nombre de Frederick.

A los 16 años Freddie, junto a sus padres, se instalaron en el Reino Unido, debido a que en la isla de Zanzíbar hubo un brote de violencia, de ahí en más se quedaron en la zona de Londres y donde el músico pasó por trabajos ocasionales para ir salvando el día a día. Pero, en 1969 a través de un amigo, Tim Staffell, conoció el grupo Smile, donde tocaban Brian May y Roger Taylor, entonces Mercury se volvió fanático de esa banda.

Ibex y Sour Milk Sea, se llamaron dos grupos donde Freddie tentó encontrar la fama sin éxito. Pero, como todo en la vida vuelve, en 1970, su amigo Tim Staffell, vocalista de la banda Smile, decidió abandonar el grupo y le pidió a Mercury tomar su lugar en compañía de May y Brian. La idea le gustó a Freddie, quien sin embargo puso una condición, cambiarle el nombre al grupo.

Smile, al parecer le pareció un tanto liviano para la banda y el vocalista quiso que la agrupación se comience a conocer con el nombre de Queen. De esa manera comenzaron a tocar en varios sitios, pero el grupo no cerraba ya que no encontraban un bajista que se adecue a la lo que ellos querían. Pasó todo un año y en 1971 John Deacon, un introvertido músico se encargó del bajo. De ahí en más los éxitos y el reconocimiento no paró para los 4 integrantes de la Queen.
Aparte de la fama, también acompañó a Freddie la vida de excesos. Las fiestas que daba el cantante eran reconocidas por estar colmadas de "todo lo prohibido". A inicios del los '80 los rumores sobre la homosexualidad del cantante comenzaron a tomar fuerza. Freddie, trasgresor como siempre, se cortó el pelo al ras y se dejó un grueso bigote, tal como estilaban utilizar los gays en los bares para homosexuales que estaban en la zona de San Francisco, Estados Unidos.
En 1982, los miembros de Queen, hacen un paréntesis y se liberan para iniciar una carrera solista de sus miembros. El que más se destacó fue Mercury, quien comenzó a hilar una cadena de éxitos como solista y hasta llegó hasta Barcelona para grabar con Monserrat Caballé.

Ya a finales de los '80 el Sida, se manifestaba con mucha violencia en el músico, quien comenzó a trabajar más en estudios y cancelar los conciertos. Sin embargo hasta poco antes de su muerte recién sus compañeros de Queen se enteraron de la penosa enfermedad que tenía el líder musical. En la siesta del 24 de noviembre de 1991, Freddie murió en su casa de Londres debido a una neumonía que no pudo superar.

En 1982, los miembros de Queen, hacen un paréntesis y se liberan para iniciar una carrera solista de sus miembros. El que más se destacó fue Mercury, quien comenzó a hilar una cadena de éxitos como solista y hasta llegó hasta Barcelona para grabar con Monserrat Caballé.

En abril de 1992, un gigantesco concierto en el estadio de Wembley unió en un tributo a Freddie, a artistas como George Michael, Robert Plant y grupos como U2, Gans' n Roses, Metallica, Def Lepard y otros. Liz Tayler, dio un sentido discurso, para instar a la gente a que se cuide del Sida.
Pese a estar a meses de cumplirse los 20 años de la partida de Mercury, su voz nunca se apagó y sigue sonando fuerte y clara en Radio Ga Ga.











Fuente Navegador Google

Fernando Botero Angulo

Creador de un estilo único que plasma en sus obras las vicisitudes de la vida cotidiana, el artista plástico Fernando Botero Angulo, quien nació el 19 de abril de 1932, ha roto con los paradigmas de la pintura universal al deformar la estética corporal, trascendiendo con ello hasta Henan, China, donde en estos momentos se expone parte de su trabajo. 

No se trata de pintar sin sentido, la gordura reflejada en sus personajes es una forma irónica y jocosa de representar ciertos aspectos que acontecen en el quehacer diario, además de que es parte de su originalidad, no obstante que en sus inicios manifestó las influencias que tuvo del muralismo mexicano y la pintura del renacimiento italiano. 

Desde pequeño manifestó su interés por el arte, cuando al estudiar en el liceo de toreros de la ciudad de Medellín realizó su primera obra, una acuarela dedicada a un torero, aunque aún no definía su vocación. 

Cuentan sus biógrafos que fue hasta 1948 cuando el artista plástico originario de Medellín, Colombia, inició sus actividades creativas como ilustrador del periódico El Colombiano, al tiempo que participó en su primera exposición conjunta, en su ciudad natal, y en Bogotá, donde inauguró la exhibición de artistas antioqueños. 

Viajero constante del mundo por su actividad artística, sus creaciones comenzaron a ser expuestas en diversos espacios, avenidas, y museos del mundo. 

En 1950, luego de las muestras que hiciera en la galería Leo Matiz, obtuvo el premio del IX Salón de Artista Colombianos otorgado por la Biblioteca Nacional de Colombia. 

Con el dinero recibido se trasladó a Europa, específicamente a España, donde vivió en las ciudades de Barcelona y Madrid. Fue en el Museo del Prado donde conoció de forma más completa, la obra de Francisco Goya y Diego Velázquez. 

Entre 1953 y 1955 viajó a Francia e Italia para estudiar en Florencia pintura al fresco, regresando, posteriormente a Bogotá, donde permaneció un año y otro en México. En tierra azteca conoció a Rufino Tamayo y a José Luis Cuevas, colegas de profesión. 

En 1957 pisó Nueva York. Allí realizó su primera exposición individual en la PAN-American Union de Washington, en donde vendió todas sus obras ese mismo día, iniciando con ello, su ascenso en la pintura. 

Al año siguiente impartió cátedra de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá. Además ganó el segundo premio del X Salón de Artistas Colombianos con la obra "La alcoba nupcial". 

Para 1960 regresó a la ciudad de los rascacielos, donde vivió modestamente, a consecuencia del decaimiento de su estilo, sin embargo, en 1961 Botero vendió "La Mona Lisa a los doce años" (1959) al Museo de Arte Moderno de Nueva York, con lo cual recuperó su estatus económico. 

Su primera exposición en el Viejo Continente la hizo en Alemania en 1966. En esa etapa anduvo de un país a otro, se movió por Estados Unidos, Colombia y París. 

Uno de los acontecimientos que marcaron la vida y obra de Fernando Botero, fue la muerte de su hijo Pedro en 1974, a causa de un accidente automovilístico en España, cuando éste apenas tenía cuatro años de edad. 

No obstante de ese suceso, continuó con sus trabajos de escultura que había comenzado un año antes. Inserto en una proactividad sin precedentes, en 1976 donó 16 obras al Museo de Antioquía. 

En 1979 presentó su primera retrospectiva en Hirshhorn Museum de Washington; en 1983 inició una serie de exposiciones en todo el mundo que hasta la fecha continua. 

Así, ciudades como Londres, Roma, San Francisco, Filadelfia, Basilea, Buenos Aires, San Juan de Puerto Rico, Santo Domingo, Berlín, Tokio, Milán, Nápoles, Ciudad de México, Monterrey, Caracas, y muchos otros lugares han sido testigos de las creaciones de Botero. 

Creador de numerosas esculturas y pinturas, sus trabajos derivan de la inspiración que le han dado acontecimientos del arte e históricos, así como de la vida burguesa y la cultura colombiana, elementos que refleja en la variada colección que ha construido en óleo, acuarela, pastel sanguina o lápiz, que denotan su destreza. 

De esta forma, su acervo lo constituyen obras como "Cámera degli sposi I" u "Homenaje a Mantegna I" (1958), "En rojo y azul" o "Mandolina" (1957), "Los obispos muertos" (1958), "Masacre en Colombia" (2000), "La casa de Amada Ramírez" (1988), en la pintura. 

En cuanto a la escultura "Mujer con espejo" (1987), "La Ballerina Asquadra", "Mano Izquierda" (1975), "El Caballo" (2008), por citar algunas. 

Debido a sus aportaciones a la cultura y al arte, Fernando Botero fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad Autónoma de Nuevo León en la ciudad de Monterrey, México. Hoy es uno de los artistas plásticos más reconocidos del mundo.

FUENTE MUJERES DE HOY

El jazz

El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica El Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock, nos dice:

El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.

El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:

Un ritmo especial conocido como swing.

El papel de la improvisación.

Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como "el retorno de la música de los salvajes", mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de Américadeclaraba al jazz como un "destacado modelo de expresión individual" y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz siempre se ha movido entre la obra de unos artistas que sólo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.

La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser aislada ni delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una concentración profunda) requieren una ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien es cierto que el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un background muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos comerciales, que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.

El Skiffle

El Skiffle es un estilo de música popular aparecido en los años 20 y 30 en los EE.UU. que aunó influencias del blues y el jazz de la época con las raices folk y country. Las principales características que definen este estilo son: 

§ aproximación simplista a la música 

§ su ritmo animado 

§ la informalidad de su interpretación 

§ y el uso de instrumentos poco habituales, baratos y de fácil acceso. 

Este estilo tuvo una especial repercusión en los años 50 en la escena pop británica influenciando a algunos de los mayores pilares de la música rock y pop mundial de todos los tiempos. 

¿Os suenan The Beatles, The Rolling Stones o Led Zeppelin? 

Origen e Historia: 

Según la investigación de Fred Cox los orígenes del estilo partirían de B.D. Tite y su compañero “Black Daddy” quienes popularizaron y quizá crearon el concepto de bandas de jarra, el origen del skiffle americano desde 1898. Este estilo se convirtió en la música más popular del sur de estados unidos entre los 10s y los 30s. 

Las llamadas “Bandas Espasmo” (Spasm Bands), como llamaban originalmente a los practicantes del skiffle (también se les llamaba “Bandas de Jarras/Botellas“, sobre todo en los primeros años del siglo veinte),surgieron de Nueva Orleans a principios de los 1900s para irse extendiendo hacia Louisville y Memphis llegados los 20s y 30s. La primera vez que se utilizó el término en un disco fue en 1925 con una grabación de “Jimmy O´Bryant and his Chicago Skifflers”. El término se utilizaba por parte de la industria musical para describir country blues sobre todo si estaba especialmente dirigido a la audiencia rural. 

En un principio el origen del estilo, aunque por su propia naturaleza no fuera registrado formalmente y por tanto sea borroso, proviene de la música afroamericana de principios del siglo veinte muy unido a la evolución del jazz de Nueva Orleans en aquella época. De un modo u otro el estilo, al menos con ese nombre y características,desapareció en los años 40 dejando paso al popular Rock´n´Roll aunque se puede ver su germen en bandas de jazz posteriores 

El término Skiffle hace referencia a las llamadas “Fiestas del Alquiler” (Rent Parties), reuniones de vecinos en las que se cobraba una mínima entrada para ayudar a los organizadores a reunir lo necesario para pagar el alquiler de su vivienda. Esta música llegó a escucharse en directo en cafeterías, clubs e incluso salas de conciertos más adelante. 

Algunos artistas de esta primera época que podríamos mencionar son: Cliffor Hayes, la Earl McDonald´s Original Louisville Jug Band, Sarah Martin, la Memphis Jug Band, la Mud Gutters Jug Band y un larguísimo etcétera. 

Lo que podría haber desaparecido para siempre de la historia como otro olvidado eslabón de la música popular encontró su punto de resonancia en la lejana Gran Bretaña durante los años 50. La juventud de clase obrera británica descubrió, a través de las exitosas canciones de Lonnie Donegan, que se podían tocar aquellas divertidas, rítmicas y sencillas canciones sin necesidad de mucha práctica ni de instrumentos caros. Todo comenzó con los interludios durante los conciertos del jazz de la postguerra de la banda en la que tocaba el banjo Donegan (Ken Colyer´s Jazzmen). Durante los descansos entre actuaciones de esta banda Donegan se presentaba ante el público para entretenerlos con versiones de clásicos del folk y el blues americano con su banjo y la ayuda de otros músicos que interpretaban instrumentos folclóricos (bajos de cajón de te y tablas de lavar habitualmente). Con el tiempo estos interludios (a los que llamaba “descansos skiffle“) ganaron tanta popularidad que Lonnie decidió crear su propia banda centrándose en este “nuevo” estilo. 

La grabación de 1955 de una versión muy animosa de “Rock Island Line” (original de Leadbelly) junto con “John Henry” como cara B (el grupo se cambió el nombre para esta grabación firmándolo como “el grupo de skiffle de Lonnie Donegan”) supuso un gran éxito en las listas de éxitos británicas del año siguiente, llegando al número 6 (el 8 en EE.UU.) y se convirtió en el primer disco debutante que llegaba a disco de oro en Gran Bretaña con un millón de copias vendidas en el mundo. 

Con este éxito todos los chavales de inglaterra se volvieron locos por emular a sus ídolos agarrando cualquier cosa que pudiera parecerse a un instrumento, aprendiendo dos o tres acordes y usándolos con entusiasmo. Tal fue el éxito de esta música que llegó a tener su propio programa juvenil en la BBC. Los motivos que llevaron a esta fiebre skiffle son sencillos: por un lado los instrumentos eran baratos y/o podía construírselos uno mismo, algo crucial en una época de privaciones tras la guerra. Por otro lado era una música divertida, algo alocada y que no requería ni buscaba la perfección en su interpretación. Se calcula que entre 30000 y 50000 bandas de skiffle juveniles se formaron tdurante la década de los 50 en Inglaterra. 

Como toda moda juvenil pronto desapareció esta fiebre y para 1958 casi se podía dar por desaparecida toda la escena. Sin embargo esos pocos años de locura preadolescente dejó su marca en la historia de la música popular desde los cercanos años 60 hasta nuestros días. Para hacerse una idea de la relevancia basta con mencionar unos pocos nombres de los muchos músicos de éxito que empezaron tocando skiffle antes de pasar a otros estilos: 

John Lennon con su banda The Quarrymen (a la que se uniría McCartney),Mick Jagger fue miembro de la Barber-Colyer Skiffle Band, Jimmy Page, Van Morrison, etc. 

De un modo u otro el Skiffle como tal fue dejado de lado a favor del blues, el folk y sobre todo del rock´n´roll. Pasó desde entonces a considerarse un estilo anticuado, pasado de moda y poco interesante lo que no impidió a Lonnie Donegan y otras bandas seguir tocando skiffle hasta el siglo XXI aunque nunca ha vuelto a darse un revival significativo del género. 

Características Musicales: 

El Skiffle se basa en ritmos rápidos con letras aceleradas y que incitan a bailes hiperactivos, su estilo es comparable al del bluegrass o cualquier otro estilo de roots folk americano aunque en inglaterra tomó su propio matiz. 

La principal característica del estilo es el uso de instrumentos poco comunes como son: 

El bajo de barreño

El bajo de cajón de te

La jarra o botella

La tabla de lavar

Las guitarras de caja de cigarros

La sierra

Mirlitones hechos con peines y papel 

A los que hay que añadir los mucho más convencionales: Banjo y Guitarras acústica 

Otras Influencias: 

El skiffle es un claro precursor en Gran Bretaña de la cultura Do It Yourself aplicada a la música y directamente con el Punk Rock. Salvando las distancias la relación es directa y clara: con cualquier instrumento barato, sabiendo cómo aporrear tres acordes y la actitud adecuada se tiene una banda.